ポップやロックの全盛期、ミュージシャンたちは特定の企業ブランドと結びつくことを嫌ったものだが、ラップがアメリカで最もポピュラーなジャンルとして浮上すると、状況は変わってきた。

ブランドとのパートナーシップにより、アーティストは自分の純粋なお気に入り（かもしれない）ブランドを支援・宣伝しながら、同時に別の収入源を得ることができるのだ。またミュージシャンが収入を得る別の方法としてYouTubeがある。YouTubeビデオにタグ付けされた広告収入を共有する形だ。Psyの『江南スタイル』は、YouTubeの視聴回数が20億に達し、200万ドル（約2億2000万円）を稼ぎ出したと言われている。YouTubeにおける音楽部門の責任者リオール・コーエンは、2017年に投稿したブログ記事の中で、米国におけるYouTubeの料率は1000ストリームあたり3ドルに達することを明らかにした。

香水、グッズ、アパレル用品など音楽以外の製品の販売は、過去何十年にも渡りアーティストにとって簡単に稼げる戦略だった。しかしデジタル時代のミュージシャンは、コンサート会場に設営する物販テントやウェブサイトに表示する広告など、従来のやり方から発展させた独自のクリエイティブな方法を取ることもできる。

アーティストたちはまた、InstagramやTwitter等のソーシャルメディア以外に作ったコミュニケーションのための特別なチャネルやクラウドファンディングを通じ、オーディエンスから直接収入を得る方法を模索しはじめている。例えば、TV番組『ザ・ヴォイス』のスター、アンジー・ジョンソンはアルバム製作のため、Kickstarterを通じて約3万6000ドル（約400万円）を集めた。多くのグループが、自分の音楽に関連する専用アプリやサブスクリプション・パッケージを提供したり、アーティスト主催のフェスティバル、メール配信、楽曲の限定リリース等の特別プロダクトを販売し始めている。独自路線を歩むピットブルもその一例だ。

本記事では多種の収益源の紹介をしたが、ベースとなるのはやはり各アーティストが持つタレント性が中心となり成立するビジネスモデルであるため、最優先されるのは楽曲自体の魅力やライブパフォーマンスの完成度の高さだろう。その上で、利益関係が複雑化しすぎている現代だが、最善の収益性を担保できる活動を展開する事が、ビジネス的には推奨されるだろう。